●写生画切忌把极目所见的客观事物再现出来，要“师造化、师心源”，要有主观的选择，尽量体现出画家的艺术个性。一位成熟的画家不能在写生时套用课堂作业的技法。

●一幅好的作品应该具有不可复制的唯一性、独特性，包括画面感觉和绘画技巧，尽量避免自己老一套的程式化作业。作品如果有规律可循，可以复制。但可复制的都不是一流作品，只能算是工艺品。

(相关资料图)

周矩敏作品

●写意花鸟画最宜抒发个人情怀和笔墨功夫。它涉及线形、线质、线态，是个人综合能力与素养的体现。“画如其人”，八大山人一幅简笔花鸟画就把他对世态炎凉的态度表现得淋漓尽致。

●写意花鸟难画鸟，特别是表现飞鸟的姿态更是不易。如果没有娴熟的笔墨技巧，很可能只求形似而难以达到神似。用活墨无死笔，将水墨把控在“失控”与“可控”的边缘才会出奇效，才能充分表现出自然的生命和灵性。

周矩敏作品

●求画面轻松是画界的一种共识。“松”有两种解释：一是指绘画技巧轻松，二是指造型轻松。前者是“技”，后者是“道”，将二者结合起来就完美了。

●中国的线描带有程式化符号，不像西洋画求空间维度，因此线的排列顺序、方向感、节奏感都带有装饰性。许多人一提装饰性就不由自主地往工艺画上靠，嫌“俗”，殊不知古代的人物画全带有装饰元素，敦煌壁画就是一个典型案例。

周矩敏作品

●画家的风格不是追求来的，是水到渠成的自然流露。风格一旦形成就容易结壳，想再次突破谈何容易？因此，你的擅长就可能成为你的障碍。比如你擅画人物，那就尝试画些花鸟、山水，写写书法，艺术养分越杂，垒成的基石越宽，你的空间高度才会更大更高。

●追求绘画技法的“熟”要穷尽半生之力，再从熟练中进入“生”又要耗尽半生精力。一进一出，艺术人生就走完了。

周矩敏作品

●“史论”，学史就是为论，论无观点，史也白学了。傅雷之所以被艺术界记住，就是他不避讳世俗所见，谈事论艺能讲出自己的观点。

●中国画本质上就是写意性绘画，从哲学层面来看，这话没毛病。写意精神是一个抽象概念，这和物理层面上存在的工笔与写意形式是两码事。有时候妄议约定俗成的观念，等于空耗知识资源，没有实际意义。

●中国画的笔墨具有丰富的精神性，这种可见可悟的状态却不可言状。书画表现出来的“味道”是视觉之“味”，只能品无法言，孰高孰低就是从“味道”中品鉴出来的。

●用中国画手段去表现外国风情有点像红茶里加奶做出来的“奶茶”，虽然是两个品种，只要调和适当，也可以成为好“饮品”。掺入奶的茶还是要保持茶的口味，否则偏奶（西画）偏茶（中国画）都不是个味儿。画中景、心中味，自己要把握好。

周矩敏作品

周矩敏作品

●黄宾虹的山水画是一座高峰，但奇怪的是凡学黄宾虹山水画的却无一成才。究其原因，众人都在学黄的“技”却忽视了黄的“道”。计较于笔墨技巧——干、湿、浓、淡、枯、疾、涩等变化的人，大多不成气候，反而以道入技、依靠中锋之变化而成大家者居多，八大、吴昌硕、齐白石、潘天寿……皆如此。

●绘画技法越繁缛越没有难度，越简单越有难度。凡是借复杂的制作技巧来丰富画面效果的，只能算是“工匠”精神；用技的丰富来掩饰精神的单薄，艺术生命力就难以旺盛。当然，用复杂的技巧能呈现出单纯的画面，那就是高手了。

●随着AI技术的应用，许多以写实为主的名家作画风格被科技手段所复制。现在只要输入相关数据就可以作二次性、三次性再创作，这引起了美术界的关注。科技与人竞争，谁会赢？如何创作出无规律可循的图式语言、模糊建立数据边界，成为捍卫艺术成果至关重要的手段。人机合作是技术，“人文情怀”还是要以人为本的。

周矩敏作品

周矩敏作品

●如今，传统绘画和当代艺术之间形成了一条鸿沟，各玩各的圈子，好像两种艺术是两条岔道上的火车，各自沿着自己的轨道前进，永远无法并轨。其作者群和观众群也泾渭分明，展厅、画廊、收藏圈就是分水岭。但也有例外，故宫举办院藏古画展览时，蜂拥而至的参观者中有老者但更多的是年轻人，他们很当代。艺术分传统与当代？这是个伪命题。观念决定存在价值。

●从艺术本体角度看，艺术创作是私人行为，拿起笔来求个性，这是常识。既然艺术讲个性，就涉及艺术批评方面的问题。我们通常有一个习惯：专家们喜欢让别人依照自己的经验去改画，结果集众多专家意见，画家初现的一点艺术个性被共性磨平了。这样的尴尬现在已成为一种常态。特别是给有艺术天赋的后生们提意见，我认为采取“无为而治”比“好为人师”更具积极意义。